viernes, 24 de noviembre de 2017

PRAXITELES.....LA CORRIENTE ÁTICA DEL SIGLO IV A. C.


Se sabe que Praxíteles fue ateniense y que realizó la mayor parte de sus esculturas desde el 380 a.C en adelante, pero sobre su figura no tenemos muchos más datos. Trabajó fundamentalmente en mármol y llevó a sus máximas consecuencias, y con más suavidad, el contraposto que ya había alcanzado Policleto.
En el siglo IV a. C., los escultores griegos empezaron a experimentar una estética nueva que mostrase una preocupación más humana, más realista o, por ser más exactos, menos idealizada. No buscan mostrar tipos aislados en su perfección, sino seres vivos ocupados en una acción determinada con una estética nueva.Praxíteles será el escultor más conocido de esta época que sucede al clasicismo puro de Mirón, Policleto o Fidias. Es también el único en el que se puede entrever la evolución del arte generando, no imitando, nuevas formas.
Discípulo e hijo del escultor Cefisodoto ­(Kephisodotos) y a su vez padre de los escultores Timarco y Cefisodoto II

Praxíteles marca curvas y contracurvas, perdiendo la ligera geometrización mantenida en obras anteriores. Imprime un perfil de S a sus esculturas, la llamada curva praxiteliana que imitarían otros artistas posteriores, incluso en el Renacimiento, y llegó a aplicar también el sfumato o difuminado: el paso de unas partes del cuerpo a otras marcando los claroscuros con formas suaves que los difuminen. También resulta un rasgo muy característico de las obras de Praxiteles su forma de modelar la cara y los rizos.
Fue el artista más importante, después de Fidias, de la corriente ática del siglo IV a.C. Sus obras debieron de gozar de una gran popularidad a juzgar por el elevado número de copias, de la época romana, que se han encontrado de sus principales esculturas. Suele decirse que la fama de sus esculturas se fundamentaba en el naturalismo sensual de sus obras; tal realismo era conseguido no sólo por la perfección del esculpido del mármol, sino también porque las hacía pintar con veladuras de colores carnosos y coloración de ojos y labios, todo ello recubierto de barniz transparente protector. El realismo de sus modelos era efectivista; difunde el sentido de suavidad afeminada de sus apolos y, por supuesto, de su Venus de Cnido. De otra parte, destaca la postura esbelta de los cuerpos, que se contornean hacia un lado creando una sinuosa curva en forma de ese mayúscula, la "curva praxitélica". El naturalismo con el que dota a los dioses representados, la suavidad de sus desnudos y la serena melancolía de sus rostros, inspiraron un ideal de belleza juvenil contrapuesto en muchos aspectos a las obras del siglo anterior. Además puede considerársele el creador del tema de la "venus impúdica" en el arte griego. Sus obras más famosas, además de la ya citada Venus de Cnido, en las que se encierran los caracteres descritos son: el Hermes con Dionisos niño (obra ejecutada entre el año 350 y 330 a.C., conocida también como Hermes de Olimpia o simplemente Hermes) y el Apolo sauroctono, también de alrededor del año 350 a.C., en la que el gran dios Apolo, desprendido de los atributos divinos, es representado como un joven que en actitud indolente, apoyado sobre el tronco de un árbol, se entretiene en matar un lagarto. Otras obras de sátiros y Eros completan su iconografía.

Hermes de Olimpia.

Escultura en mármol con el niño Dionisio del templo de Hera, en Olimpia. Obra de Praxíteles del año 330 a.C. que se encuentra en el Museo de Olimpia. Está considerada como una de las pocas obras originales de la Grecia clásica y por tanto atribuida directamente en su ejecución a la mano de Praxíteles. El personaje divino lleva en su brazo al niño Dionisio, se yergue esbelto sobre sus largas piernas; sus formas corporales son de blanda y pulida modelación y su sereno resplandor se concentra en la cabeza del dios cubierta por un cabello abundante, de cortos rizos que resaltan la suavidad melancólica de su rostro. Este Hermes, el dios mensajero de los dioses, y el niño Dionisio se funden en una dulce imagen conectados por la acción y el sentimiento. Hermes sonriente y con tierna mirada ofrece al niño un racimo de uvas. Dionisos o Dionisio será el dios de la embriaguez y las fiestas bacanales o dionisiacas. El grupo está compuesto como un cuadro: un tronco de árbol, sobre el que se ha tendido un manto, sirve de apoyo al brazo izquierdo de Hermes, el que lleva al niño. El suave tejido se extiende también sobre el brazo para que no se lastime con el áspero leño. La figuras se desarrollan con un sentido puramente frontal y la espalda no fue acabada de cincelar porque fue concebido para ser colocado junto a la pared.

Venus de Cnido.

La obra más estimada de Praxíteles en la Antigüedad era la estatua desnuda de Afrodita que hizo para el santuario de la península de Cnido.
La diosa del Amor siempre había sido representada vestida; así aparece en el friso del Partenón y así fue representada por Alcámenes. Praxíteles la sorprendió desnuda, en el momento de salir del baño; tiene a su lado el jarro de perfumes y el manto plegado para cubrirse. La diosa del amor se muestra imperturbable en su divina esencia, como si nadie pudiera verla, completamente ajena a la idea de cualquier presencia extraña.
Sin embargo, el arte griego sentía todavía cierto prejuicio contra el desnudo femenino. La Afrodita de Praxíteles no parece tener precedentes; debió de ser una obra de taller, ejecutada en la soledad de su genio artístico. Habiendo acudido, cuenta la tradición, a Atenas comisionados de las ciudades de Cos y Cnido para adquirir una Afrodita para sus templos, el artista les ofreció las que tenía terminadas, entre ellas la desnuda. Los de Cos eligieron una figura vestida; los de Cnido optaron por la desnuda, la que, andando el tiempo alcanzará la fama.
Como todas las obras del gran maestro, aparecía ligeramente policromada: color de suave encarnación en el cuerpo y tonos apropiados para los ojos y los labios. La imagen de esta Afrodita ha sido reconocida en varias copias romanas; la mejor está en los Museos Vaticanos. La belleza de su rostro y la hermosura de su cuerpo son la representación del ideal de belleza de mujer. Sorprende el maravilloso modelado del busto y de la espalda (no hay que olvidar que fue esculpida como obra de bulto redondo para ser contemplada en todo su contorno y exhibida en un templete abierto), maravilla la elegante perfección de sus piernas; todo el cuerpo es sobrio y macizo, sin pliegues ni hoyuelos. Por vez primera en la historia de la escultura se nos revela la naturaleza de la diosa del amor sin vestidos que oculten sus senos plenamente desarrollados, sus amplias caderas, sus piernas torneadas y tobillos finamente articulados. Todo ello anuncia el amor, pero en la noble cabeza no hay el menor atisbo de sentimiento lujurioso; hasta cierto punto es símbolo de castidad, libre de la pasión carnal. Su mirada es limpia, tranquila y aparece sin turbación pese a manifestar el encanto de la naturaleza femenina y de la belleza inmortal.
"Apolo Sauróctono" (340 a. Cto)
Copia romana en mármol del original. Mide 1,83 mt. de altura. Trata la anatomía de forma suave y natural, con menos rigidez que los autores del siglo V a. Cto, así como el rostro al que da mayor expresividad, y el cabello que está mucho más trabajado. Libera una de las piernas del peso u lo traslada a la otra, normalmente la pierna izquierda, creando así una curvatura de cadera que curiosamente va en sentido contrario a la pierna sobre la que descansa el peso, es lo que se llama la Curva Praxiteliana. Al realizar este juego de contrapesos, necesita un punto de apoyo extra, para ello coloca un tronco de árbol, al igual que hará en otras esculturas. Sus temas más recurridos fueron las divinidades juveniles (Eros, Afrodita, Artemisa, Hermes, etc.) y los sátiros. En la imagen un Apolo de rostro juvenil en una actitud ensimismada que lo aleja del espectador.
"Diana de Gabies" Museo del Louvre
 Praxíteles empleó el mármol en lugar del bronce utilizado por la mayoría de los escultores de la época. Dos tercios de sus creaciones son piezas de ese material, que dominaba a la perfección. En esta representación de Artemisa podemos ver el realismo en el tratamiento de los pliegos y la delicadeza con que Praxíteles dotaba a sus figuras.

"El Sátiro en Reposo", fue muy copiado en época romana para decorar los jardines de las villas. Tiene el tratamiento anatómico más suave.
También conocido con el nombre de Sátiro anapauomenos ,es un tipo estatuario generalmente atribuido a Praxíteles. Se conocen cerca de 115 ejemplares, siendo el más célebre el de los Museos Capitolinos.
Representa a un sátiro joven, identificable claramente por su orejas apuntadas  que lleva cruzando el torso. Apoya el codo derecho sobre un tronco de árbol, en una posición tan poco estable que la pierna izquierda apenas sirve de apoyo. La pierna derecha está doblada, el pie detrás del pie izquierdo: la punta del pie derecho toca el talón del pie izquierdo. Los rasgos del rostro están muy bien marcados y la nariz está ligeramente achatada. 

"Sátiro escanciador"
"Eros"

http://arteinternacional.blogspot.com.es/2009/05/praxiteles-de-atenas-s-iv-cto.html
http://masdearte.com/especiales/praxiteles-la-suavidad-de-la-curva/
https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/praxiteles/b4c40f5c-1e3c-4360-b3c0-cfa189192739

martes, 21 de noviembre de 2017

EL LEON DE LUCERNA


El León de Lucerna, conocido también sencillamente como ‘El monumento del leon’, es una estatua conmemorativa ubicada en Lucerna, Suiza. Consiste en un relieve de piedra excavado en una pared de roca que pertenecía antiguamente a una cantera de piedra arenisca, y representa a un león moribundo. Esculpido a principios del siglo XIX, la intención de los creadores del León de Lucerna fue conmemorar a los Guardias Suizos que perdieron sus vidas en 1792 durante la Revolución Francesa.
Fue diseñado por Bertel Thorvaldsen, un famoso escultor danés que vivió entre los siglos XVIII y XIX. El hombre responsable de la talla del monumento, no obstante, fue un cantero de Constanza (sur de Alemania) de nombre Lucas Ahorn.
El monumento fue diseñado por Thorvaldsen en 1819 cuando se encontraba en Roma, y al año siguiente Ahorn comenzó a esculpirlo. La estatua, que mide 10 metros de largo y 6 metros de altura, quedó acabada en 1821.
Retrato de Bertel Thorvaldsen obra de Carl Joseph Begas, ca. 1820. (Public Domain)
Retrato de Bertel Thorvaldsen obra de Carl Joseph Begas, (1820)

El León de Lucerna nunca hubiera llegado a existir si no hubiera sido por un hombre llamado Carl Pfyffer von Altishofen. Fue Von Altishofen quien encargó el monumento. Por otro lado, solo conociendo la historia de Von Altishofen podremos comprender el simbolismo y el significado del León de Lucerna. Está documentado que Von Altishofen fue oficial de la Guardia Suiza. Cuando estalló la Insurrección de Agosto en París el 10 de agosto de 1792, Von Altishofen se encontraba de permiso en su casa de Lucerna.

Escena de la Revolución Francesa: ‘Toma del Palacio de las Tullerías’, óleo de Jacques Bertaux pintado en 1793. (Public Domain)
Escena de la Revolución Francesa: ‘Toma del Palacio de las Tullerías’, óleo de Jacques Bertaux pintado en 1793. 
Los camaradas de Von Altishofen, miembros de la Guardia Suiza destacados en París, no tuvieron tanta suerte como él, y muchos de ellos perdieron la vida en la rebelión que estalló en la capital francesa. Como mercenarios, los Guardias Suizos eran famosos por cumplir sus compromisos y con lealtad hacia quienes les contrataban.
Entre estos últimos se encontraba la familia real francesa, que llevaba empleando a estos mercenarios desde el siglo XVII. Cuando estalló la Insurrección de Agosto en 1792, había un regimiento de unos 1.000 Guardias Suizos al servicio del rey de Francia Luis XVI y su familia.
Aproximadamente 300 de los Guardias Suizos de Luis XVI habían sido enviados fuera de París a realizar una misión varios días antes, mientras que el resto de ellos permanecían junto al rey y su familia en el Palacio de las Tullerías. Durante la rebelión, los Guardias Suizos defendieron a la familia real de las multitudes. La mayor parte de ellos murieron en combate, o poco después en prisión a causa de las heridas. El número de bajas sufridas por los Guardias Suizos en esta acción, así como el número de supervivientes, fue grabado en la piedra del monumento de Lucerna. Murieron 760, mientras que sobrevivieron 350.
Luis XVI inspeccionando a sus tropas. (Public Domain)
Luis XVI inspeccionando a sus tropas. 

Aparte de estos números, en el monumento también se puede encontrar una lista de algunos de los nombres de los oficiales caídos en la insurrección. En otra inscripción grabada en la escultura se lee ‘HELVETIORUM FIDEI AC VIRTUTI’, que se puede traducir como ‘Al valor y la lealtad de los suizos’.
La inscripción del monumento que recuerda el valor y la lealtad de los Guardias Suizos que defendieron a Luis XVI y a su familia en agosto de 1792. (CC BY-NC-ND 2.0)
La inscripción del monumento que recuerda el valor y la lealtad de los Guardias Suizos que defendieron a Luis XVI y a su familia en agosto de 1792. (CC BY-NC-ND 2.0 )
Lo más destacado del monumento, sin embargo, es indudablemente la propia estatua del león. A primera vista, su característica más notable es que está muriendo. Tras una inspección más detenida, se observará la punta de una lanza sobresaliendo de su costado: causa de su sufrimiento y finalmente de su muerte. Por otro lado, el león se encuentra recostado sobre un escudo en el que aparece la flor de lis. Es un símbolo de la monarquía francesa, así como un recordatorio de la causa por la que los Guardias Suizos lucharon y dieron la vida en aquellos días de agosto de 1792.
http://www.ancient-origins.es/noticias-general-lugares-antiguos-europa/la-tr%C3%A1gica-historia-impresionante-monumento-le%C3%B3n-piedra-lucerna-003424
http://3.bp.blogspot.com/_FDB0D356S04/THLRI8R736I/AAAAAAAACXA/W7BnqBk6_w0/s1600/P7068891.jpg
http://www.ancient-origins.es/noticias-general-lugares-antiguos-europa/la-tr%C3%A1gica-historia-impresionante-monumento-le%C3%B3n-piedra-lucerna-003424
https://milrecuerdosdelpasado.wordpress.com/2013/12/05/la-agonia-eterna-del-leon-de-lucerna/

sábado, 18 de noviembre de 2017

LISIPO Y EL CANON DE LAS OCHO CABEZAS

En el siglo IV a.C., unos cien años después de que Policleto hubiera fijado su canon, Lisipo, inspirado por su predecesor, establecería un nuevo sistema de proporciones que, muchos siglos después, el Renacimiento contemplaría como paradigma de la belleza griega.
Lisipo alarga las proporciones de Policleto hasta las ocho cabezas de tal forma que sus figuras ganan en ligereza, en gracia y en altura. Su búsqueda de la elegancia y el naturalismo le llevan a rechazar las antiguas concepciones sobre el cuerpo humano perfecto, para inclinarse por la representación subjetiva de la Naturaleza, a la que añade un toque de elegancia y cotidianeidad.
Si Policleto supo estudiar como nadie los límites del contraposto, Lisipo creará la combinación perfecta de movimiento y estatismo, en esculturas con temáticas poco frecuentes en el conjunto de la producción escultórica griega, llegando incluso a plasmar varios movimientos diferentes en una única figura, como en el caso del Apoxiomenos.

Junto con Scopas y Praxíteles se le considera escultor del segundo clasicismo, ya enlazando con el arte Helenístico.
Nacido en Sición, Peloponeso, hacia 370 a. C. falleció hacia el 370 a. C. Será escultor principal de la corte de Alejandro Magno. Explotará a la vez realismo e idealismo, representando principalmente cuerpos masculinos. Broncista que trabaja también en mármol.
Crea un nuevo canon que obedece a los gustos del siglo IV a. Cto., se trata del Canon de las 8 cabezas, en el que la cabeza es la octava parte del cuerpo. Según Plinio, Lisipo representa a los hombres tal y como el ojo los ve, mientras que el siglo V a. Cto. los representó tal y como eran. Ahora se supera el canon racional de Policleto y se va hacia la fantasía óptica y expresiva.

Canon de las ocho cabezas







"Heracles Epitrapezios", realizado para Alejandro Magno. El original era de bronce. Figura barbada, aparece sentado y con la musculatura muy marcada.






"Heracles Farnesio" (Museo Arqueológico de Nápoles). La copia romana mide 3,17 mt. Apoya el cuerpo en un tronco del que cuelga también la cabeza de un león. Está completamente desnudo, y Lisipo hace uno de los más trabajados tratamientos anatómicos de su escultura. La figura aparece barbada, igual que en el caso anterior. Museo Arqueológico de Nápoles.


"Apoxiomeno" (320 a. Cto., Museos Vaticanos), es para Lisipo el equivalente de lo que es el Doríforo para Policleto, tiene un estudio anatómico más suave que el de otras obras de Lisipo. Se preocupa por el tratamiento del equilibrio y el espacio en el cuerpo. Representa a un atleta que se limpia el polvo del cuerpo con una estrígila tras la carrera. Hay movimiento. Es una escultura que rompe con la frontalidad y puede ser observada desde todos los puntos de vista con tratamiento particular. Una copia de esta obra de Lisipo estaba en las termas romanas de Agripa, y allí causó admiración general, especialmente en Tiberio. Mide 2.05 mts. de altura. El original era de bronce.





"Alejandro Magno", remarca en sus retratos el aspecto leonino del Emperador Macedónico. Tiene varios retratos del emperador. Lisipo es el primer retratista clásico.


"Ares Ludovisi" 
Copia romana sobre un original atribuido a Lisipo (Sición, h. 370 a.C.- 318 a.C.)
Mármol pentélico, restauraciones en mármol de Carrara por Bernini (1622)
Museo Nacional Romano-Palazzo Altemps, Roma
La figura de Ares, el hijo de Zeus y Hera que como dios cruel encarna el espíritu de la guerra y goza de las matanzas y la sangre sin importarle la justicia, no gozaba de buena reputación en la cultura griega. Sin embargo, en la cultura romana era un dios muy venerado por representar la juventud y por ser considerado tradicionalmente como el padre de Rómulo y Remo, fundadores de Roma. Frecuentemente aparece representado armado y algunas veces acompañado de los que se consideran sus hijos: Deimo (el temor), Fobo (el miedo) y Eris (la discordia). También eran hijas de Ares las Amazonas, pueblo de mujeres dedicado a la caza y la guerra que habitaba los bosques de la Tracia. En otras ocasiones la representación de Ares se acompaña de un perro, un buitre o un gallo, o relacionado con Afrodita, vinculando a ambas figuras con los impulsos elementales de la condición humana como son la violencia y el amor, de cuya unión nace Harmonía.
Este es el personaje mitológico elegido por Lisipo para esta escultura, al que representa con cuerpo de atleta y dotado de una verosimilitud mórbida, con cierta carga de sentimentalismo y un movimiento contenido que muestran al artista como un gran renovador de la técnica escultórica.


El Ares Ludovisi recibe este nombre por haber formado parte de la ingente colección arqueológica reunida por el cardenal boloñés Ludovico Ludovisi, sobrino de Alessandro Ludovisi, pontífice bajo el nombre de Gregorio XV, en la villa y los jardines situados cerca de la Porta Salaria de Roma. Después de formar parte de la colección Boncompagni pasaría a engrosar los fondos del Museo Nacional Romano de las Termas de Roma, ocupando actualmente una de las salas del museo instalado en el Palacio Altemps.


Otra copia de esta escultura se conserva en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, siendo posible contemplar una copia fidedigna en yeso en la colección de Reproducciones Artísticas del Museo Nacional de Escultura de Valladolid.
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martes, 14 de noviembre de 2017

SAN SALVADOR DE CHORA


Si exceptuamos la ineludible Santa Sofía, puede dar la impresión de que los restos de Constantinopla en la actual Estambul no son muy numerosos, o evidentes en comparación con el posterior legado otomano. Pero una visión más pausada,nos descubrirá abundantes testimonios de la esplendorosa Constantinopla, como San Salvador de Chora.
El hecho de que estos monumentos no sean tan visibles obedece a varias razones. El material constructivo (ladrillo y arcilla) empleado en esta segunda Roma es menos resistente al paso de los siglos que el usado en la primera.
Las finanzas bizantinas nunca fueron tan solventes como las de Roma, que gozo de grandes beneficios que posibilitaron la ejecución de obras faraónicas. En Constantinopla la basílica de Santa Sofía es una excepción. El resto de templos tiene dimensiones muy inferiores, que desde el siglo XIII aun tienden a reducirse más.
Además la llegada de otro poder que no es heredero de la tradición cultural bizantina, y cuenta ya con una cultura propia muy desarrollada, hace una labor 
Por otra parte, ya en tiempos más cercanos la promoción del pasado bizantino no ha sido excesiva por no existir una identificación cultural que enlace la con el Imperio Otomano. En cierto modo 1453 es un año 0 para Estambul.
Precisamente en el sector donde se encuentra San Salvador de Chora se halla el punto en que los Otomanos hicieron brecha y penetraron en Constantinopla.

Teodoro Metoquites, el benefactor de la obra. Luce un gran gorro oriental.

Ocupa el solar de un antiguo monasterio del siglo IV cuya iglesia estaba consagrada a Cristo recibiendo el nombre de Sagrado Salvador en Chora. Chora significa “campo” pues en aquel momento las murallas de Constantinopla no llegaban hasta aquí, sino que era territorio extramuros hasta la construcción de las murallas de Teodosio.
La iglesia paso por varias vicisitudes y a finales del siglo XI adopto su forma de cruz griega inscrita, que serviría de modelo a la gran mayoría de iglesias bizantinas posteriores. Durante el siglo XII sufrió derrumbes parciales y en el siglo XIII el saqueo cruzado.
Sera ya en el siglo XIV cuando un notable de la corte bizantina, Teodoro Metoquites añadirá el exonartex y el paraclesión, (pasillo lateral de función sepulcral) junto con toda la iconografía pictórica que hoy podemos observar en una buena parte. Estas pinturas constituyen un tesoro de incalculable valor de todo el arte occidental.

                                           Medallon central de una de las cupulas del esonártex

No se sabe quiénes son los autores de esta obra realizada entre 1315 y 1321, enmarcada en el llamado Renacimiento Paleólogo pero su belleza y perfección la sitúa entre las más destacadas de este periodo.
El fin de las peripecias de la iglesia es su transformación en mezquita en 1511, momento en que se cubren con yeso los frescos y mosaicos y asi permanecen hasta 1948 en que Thomas Whittemore y Paul A. Underwood, del Instituto Bizantino de America y del Centro Dumbarton Oaks para Estudios Bizantinos, financiaron una restauración. A resultas de la misma, la mezquita se convirtió en museo en 1958 (Kariye Müzesi).


El nártex presenta una decoración algo mas deteriorada en relación con el esonártex. En la puerta principal un Cristo Pantocrator soteniendo en su mano izquierda los Evangelios y con la derecha se dispone a impartir la bendición.

Nartex. Oración de Zacarías

En el nártex podemos apreciar varios mosaicos con pasajes del nuevo testamento. Nártex y Esonártex estan decorados con mosaicos mientras que el Paraclesion esta cubierto por frescos.
Las principales escenas retradas pertenecen al Nuevo Testamento como por ejemplo el episodio de las bodas de Canáan, donde se aprecian claramente las tinajas que Jesus convertiría en vino.


El Esonártex,este ha llegado a nosotros en mejor estado. Consta de dos cupulas con sendos medallones de un Cristo Pantocrator con su genealogia, y una María Theotokos (“la que dio a luz a Dios”), con el Niño Jesus en sus brazo. Por tanto dos motivos muy repetidos en Bizancio que suelen responder a un mismo patron de posición frontal. El resto del esonártex se compone de seis paneles devocionales, escenas de la vida de María, infancia de Jesus y vida adulta.

                                                     La Virgen, Santa Ana y San Joaquin

                                                            La Presentación de la Virgen


Nacimiento de Jesus. Un rayo cae sobre el pesebre vacio, el angel anunciando la noticia a los pastores, la                      Virgen mirando como lavan al niño, y José meditando sobre su condición.


Cupula del Paraclesion con Maria Theotokos ylos patriarcas de la Iglesia


Entrada al Esonártex - al fondo la Naos



El programa iconográfico del Paraclesion se denomina Anástasis (resurrección) y se centra en la salvación de la humanidad, junto con la resurreción de Cristo y otros temas afines como la resurreción de Lazaro, y el Juicio Final. En el abside se encuentra su principal representación, Jesus con tunica blanca y en mandorla libera a Adán y Eva del infierno y los lleva a la vida eterna.

Anástasis en el ábside del Paraclesion

                                                                    Resurreción de Lazaro

Esta iconografia parece provenir de los doce capítulos del descenso de Cristo a los infiernos, compilados en los llamados hechos de Pilatos, que dieron lugar al evangelio apócrifo de Nicodemo.
Pictoricamente es un ejemplo puro del Renacimiento Paleólogo que incorpora unas figuras más agiles dinamicas y estilizadas.


         Padres de la iglesia Bizantina. San Basilio, San Gregorio Teólogo, y San Cirilo de Alejandría

                                                                 Detalle de la cúpula


                                                                       Mosiacos interior 

Abrazo en la Puerta Dorada

Multiplicación de los panes


                                                           Tentaciones de Cristo en el desierto
                                                                               Bodas de Canaán





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